Interes Cultural

La obra de Belkis Ayón (1967–1999) reunida en Origen de un mito, que estuvo expuesta en octubre en la Galería Villa Manuela, de la UNEAC, desata una fuerza sobrecogedora que atrapa al espectador. Con un sello icónico peculiar, como una inefable marca de agua, el misterio de sus composiciones se transparenta en rasgos, líneas y fabulaciones poéticas. Resulta sencillamente conmovedor comprobar cómo en tan corto plazo de vida la artista logró una obra concentrada en conceptos y realización. De una parte, la profundidad en la aproximación temática; de otra, la certeza del oficio necesario para trascender las meras intenciones y legar imágenes grávidas de significación.

Los aullidos de la guitarra de César (El Vampiro) López —ex integrante de las alineaciones Azul Violeta y Maná—, conectados a la batería de Alfonso André y comandados por el legendario vocalista, bajista y guitarrista Saúl Hernández, activan el cóctel de este símbolo global del rock iberoamericano con más de 10 años pulverizando millones de gargantas al pie del cañon de sus explosivos conciertos compartidos con los Rolling Stones, Peter Gabriel, Molotov, Maldita Vecindad, Fobia...

Parte de su historia se trenzó en algunas zonas de las calles mexicanas donde el corazón despierta cada día a todo galope. La génesis de la banda ocurrió en 1988 bajo el nombre de Caifanes y la dirección de Saúl Hernández, con una visible influencia de The Cure en la euritmia de sus cuatro álbumes: Caimanes, El Diablito, El Silencio, y El Nervio del Volcán.

Su desintegración dio lugar a la formación de Jaguares en 1996. La nueva escudería capitaneada igualmente por Saúl, evolucionó hacia caminos experimentales empujados por montañas de libertad artística levantadas por su "frontman" y conductor.

Así conoció la luz el antológico álbum El equilibro de los Jaguares, seguido de Bajo el Azul de Tu Misterio, Cuando la sangre galopa, El primer instinto, hasta llegar a Crónicas del Laberinto que marca la mayoría de edad de esta banda, aunque en El Equilibrio... sigue guarneciéndose una diadema fulgurante.

La arqueología de su música revela un blindaje indivisible nutrido de dominios "zeppelianos", pasando por el afelpado glam de David Bowie, fogonazos punketeros a lo Dead Kennedys y claras reverencias a Los Beatles, cuyo patrimonio seguirá entoldando los túneles neuronales de la cultura contemporánea.

En la textura recóndita de su música late un llamado de ¡ALERTA! que denuncia la corrosiva situación de los marginados del continente de Emiliano Zapata y Ernesto Che Guevara. Seculares convocatorias a favor del cumplimiento de los derechos de los pueblos originarios, así como una resonante denuncia de los crímenes contra mujeres en la ciudad de Chihuahua, constituyen trincheras de su compromiso político y artístico.

Temas como Las ratas no tienen alas, Dime Jaguar, Cuando la sangra galopa, y Ayer me dijo un ave que volaba —dedicado a las víctimas del feminicidio— son algunos de los coreados al unísono en sus conciertos.

Con su más reciente actuación en la ciudad de Chihuahua frente a 40 000 espectadores, Jaguares viene demostrando que la verdadera alma del rock and roll —alimentada en Woodstock 69— alienta bríos negados a fenecer a pesar del suculento negocio de fabricar bandas "contraculturales" y tendencias "rebeldes" para engañar a millones en todo el mundo.

La exposición El Reciclaje en el Arte Infantil, que recoge 50 obras de pioneros ganadores en algunas de las 13 ediciones del Concurso Nacional Escolar de Literatura y Artes Plásticas sobre Recuperación de Materias Primas, fue clausurada ayer en esta ciudad.

Al cierre de la muestra expositiva, abierta durante 28 días en el Pabellón Guantánamo, asistieron escolares de casi todas las provincias cubanas galardonados en ese certamen competitivo, que desde el año 1992 convocan la Organización de Pioneros José Martí (OPJM), el Ministerio de Educación, el Consejo Nacional de Casas de Cultura y la Unión de Empresas de Recuperación de Materias Primas.

Los dibujos describen la meritoria labor de hombres y mujeres dedicados al reciclaje y destacan la importancia económica de la recuperación de desechos reciclables como fuente de recursos y su impacto ambiental.

La exposición inició desde octubre de 2005 su recorrido por todo el país y ya se presentó en 12 provincias y el municipio especial de Isla de la Juventud. Finalmente, la provincia de La Habana en noviembre, y la capital en diciembre, acogerán la muestra El Reciclaje en el Arte Infantil, que saluda el aniversario 45 de la OPJM y de la Unión de Empresas de Recuperación de Materias Primas.

Desde que se anunció que Julio Bocca podía estar entre las figuras invitadas para la cita de la danza mundial, que cada dos años tiene lugar en La Habana, nosotros los cubanos hemos aguardado con impaciencia el encuentro con un artista que ya es una leyenda. Es inevitable que el orgullo nos invada cuando confirmamos que el gran bailarín argentino vendría a la Isla para bailar, por última vez, El lago de los cisnes, antes de retirarse definitivamente de los escenarios en el 2007; justamente para la misma pieza con la que se estrenó, en esta tierra, como el Príncipe Sigfrido.

No exagero si afirmo que Julio Bocca será la figura más asediada de este 20 Festival. Y la razón es la añorada entrevista con una de las estrellas de la escena mundial. En uno de los salones de la sede de la compañía que dirige Alicia Alonso lo encontré, mientras tomaba su primer ensayo con la cubana Anette Delgado. Y en lugar de mostrarse esquivo, distante, con una inmensa sonrisa accedió a conversar, en exclusiva, con los lectores de Juventud Rebelde.

—¿Qué recuerda de aquel primer encuentro con el público cubano?

—Estaba muy nervioso y, al mismo tiempo, muy excitado, porque era la primera vez que protagonizaba una gran producción con un ballet tan importante. No me podía creer que estaba compartiendo el escenario con el Ballet Nacional de Cuba, con todas sus figuras. Fue extraordinario. Recuerdo con mucha nitidez el cariño que, de entrada, me brindó la compañía y, por supuesto, el público. No puedo olvidar las ovaciones, los gritos de la gente, ni los lindos momentos que pasé sobre el escenario con la primera bailarina Ofelia González, una gran artista.

—Si no estoy errado, usted seleccionó a la primera bailarina Anette Delgado para que protagonizara con usted El lago...

—Digamos que pedí a alguien que me fuera fácil de manejar, alguien con quien me podía sentir cómodo. Y me ofrecieron la posibilidad de que fuera Anette. Recién tuve mi primer ensayo, y la verdad es que me siento tranquilo, porque no me gusta cuando la bailarina me indica cómo debo hacer mi trabajo. Creo que ella estará formidable y que será una buena función.

—¿Por qué decidió que el último El lago... tuviera lugar esta tarde en Cuba?

—Porque fue en Cuba donde empezó y me gusta ir terminando las cosas. El Festival me dio la oportunidad, pues era uno de los tres grandes clásicos que se iban a representar. Quería cerrar justamente con lo que vine a abrir aquí.

—Los cubanos lo podrán ver, además, mañana y el lunes, en el Teatro Mella, en su Bocca Tango...

—Bocca Tango no tiene una historia, un argumento. Son diferentes piezas de tango, muchas de Piazzolla, pero también están El día que me quieras, El último café... Me acompaña una orquesta de seis músicos y dos cantantes. Es un espectáculo donde trabajo en una mesa, y que venimos haciendo desde el 2001 por todas partes del mundo y con mucho éxito. Los tangos son maravillosos. No es tango puro, es otro tipo de tango. En el espectáculo está parte del pas de deux que ya interpretamos aquí en Cuba la vez pasada. Es una obra muy linda.

—Los conocedores aseguran que usted está en plena madurez, ¿por qué entonces abandonar el escenario?

—Lo decidí porque ya voy a cumplir 40 años y quiero dedicarme a otra cosa; quiero tener tiempo para mí, para estar con mi familia, con mis amigos..., dejarle el camino a la gente joven. Deseo retirarme ahora que estoy en plena madurez, como dices, pues quiero que el público se quede con el recuerdo de mi buen momento, y no con la imagen de un bailarín que va en decadencia. No obstante, estaré en los escenarios hasta finales del año que viene.

—¿Y qué sucederá en todo ese año?

—Después del Festival, comienzo una gira por Centroamérica y Latinoamérica, luego, en enero, iremos a París, de ahí nos trasladaremos hacia España, Italia. Más tarde, vendría un recorrido por toda la Argentina. Iremos a diferentes pueblos con un camión, que se convierte en escenario, para bailar al aire libre y gratis para la gente. Después..., después mi idea es no hacer nada. Quiero levantarme por las mañanas y decir: iré a tal lado o me quedaré en casa, o me tomaré una cerveza, sin preocuparme por el cuidado de mi físico. Es algo que necesito. Así que, quizá dentro de poco haya un Julio Bocca con una pancita de cerveza (ríe). Es como que necesito un tiempo.

«Cada función que queda atrás la disfruto sobremanera, porque sé que es una buena función y que la gente la agradece y recuerda. Por eso cada día estoy más convencido de la decisión que tomé. No sucederá que llegado el momento me diga: estiraré un poco más. No. Eso no ocurrirá.

«Hace poco me despedí del American Ballet Theatre (ABT), compañía con la que trabajé durante 20 años. Fue increíble estar en el Metropolitan Opera House, en Nueva York, recibir 25 minutos de cerrada ovación. Y no puedo menos que sentirme feliz, porque compruebo con satisfacción que logré agenciarme el cariño y el respeto de la gente, lo máximo a lo que puede aspirar un artista».

—¿El retiro significa que abandonará el mundo de la danza?

—No, no. Tengo una escuela y una fundación, con la cual ayudo a chicos del interior del país, que no pueden económicamente venir hasta la capital a estudiar. Mi idea es seguir con eso. Por supuesto, también está la compañía que, por un tiempo —en el 2007 y el 2008, año que me tomaré para mí— estará en las manos de mi asistente, Sara Nieto, quien fue una gran figura del ballet en Chile. Después volveré a dirigir y a enseñar a los profesionales.

—Tu historia de niño pobre que termina como un príncipe, parece un cuento de hadas...

—Yo vivía en las afueras de la capital, y viajaba hora y media en tren. A mi madre casi no la veía porque trabajaba mañana, tarde y noche, para poder pagar mis estudios. Empecé a viajar solo a los 10 años, porque mi madre no me podía llevar y mi abuela era mayor. Desayunaba y cenaba, pero para el almuerzo solamente tenía para comprarme una coca cola. Siempre me costó mucho... Bueno, no fue tanto, porque me encantaba el ballet, pero a mi familia sí le costó, pues económicamente no estaba bien, máxime cuando la danza no es una carrera barata. Eso me hizo vivir las cosas de otra manera, saborear mejor cada momento de mi vida.

—Su mamá le impartió las primeras clases de ballet. ¿Cree que sin ella hubiera sido bailarín?

—Sí, sí, porque fue una elección mía, como mismo elegí empezar y ahora elijo terminar. Todo lo que he hecho ha sido por propia elección. Nunca nadie me vino a obligar o me empezó a hablar para ver si yo podía hacer esto o aquello. No, el ballet siempre lo sentí adentro. Si hubo alguna influencia de mi madre fue solo al comienzo, cuando yo jugaba. Luego empecé en la escuela del Teatro Colón, de Buenos Aires, y nunca más tuve clases con ella. De grande, no quise mezclar el trabajo con mi relación familiar. Me gusta separar las cosas para evitar los problemas.

—¿Qué sintió Bocca cuando recibió la llamada de Baryshnikov, invitándolo a que formara parte del ABT?

—Lo cierto es que cuando él llamó yo estaba convaleciente de mi primera operación (ríe). Recuerdo que le tuve que mentir. Le dije que estaba con muchas funciones, que si podía ir más adelante, y me dijo que sí. Pero me acuerdo que viví una gran emoción, porque siempre quise formar parte de una gran compañía. Entrar en Nueva York por la puerta ancha fue para mí maravilloso, pues no empecé como cuerpo de baile y después pasé a ser solista, sino como primera figura, con solo 19 años. Fue muy emocionante trabajar con esa compañía que, entre otras cosas, me permitió aprenderme un repertorio verdaderamente increíble.

—En una entrevista dijo que había llegado a Nueva York lleno de expectativas. ¿Se cumplieron esos sueños de Bocca?

—Sí, y muchos más. Por eso trabajé 20 años con el ABT. El comienzo fue duro, porque no hablaba el inglés, venía de Sudamérica y, ya sabes, para muchos norteamericanos Argentina está en Brasil... Esas cosas que uno tiene que explicarles. Y de golpe, ver cómo me respetaban siendo casi un niño, ver como poco a poco se fue dando todo, aprender tantas cosas, los espectáculos, las clases, la disciplina... Todo fue genial. Y de ahí, el reconocimiento y el cariño del público que, te lo dije y lo repito, es muy difícil de conseguir y mantener todavía después de tantos años. De repente puede aparecer un bailarín excelente, pero también de golpe empezar a desaparecer. Mantenerse es lo más complicado.

—Siete operaciones, ¿qué representó cada una de ellas en la carrera de Bocca?

—Un crecimiento, un cuidado más inteligente de mi cuerpo. De paso aproveché para el descanso que nunca tomaba. Fueron lastimaduras resultado del trabajo, no por estar de vacaciones o por estar, digamos, en alguna andanza.

—Cuando se retire, ¿regresará a Argentina o permanecerá en Nueva York?

—En Argentina, por supuesto. A mi país no lo cambio nunca. Es mi casa, son mis tradiciones, mis raíces, mis costumbres. Mira, en Argentina uno sale a las dos de la mañana y encuentras un lugar para ir a comer, para ir a tomar algo. Un día llamo a un amigo, a las cinco de la tarde, y lo invito a tomarnos algo, y no pasa nada, no hay que hacer un organigrama, ni pedir turno... En mi país se hace de la amistad algo muy fuerte, algo que en otros lados es muy difícil de conseguir. Y después, como ciudad, me fascina: tiene una vida, una cultura muy grande. Es un lugar lindo para poder vivir.

—Parece que tiene nostalgia por muchas cosas...

—(Sonríe con ganas). Ah, sí... ¿Se nota? (ríe nuevamente). ¿Sabes lo que pasa? A veces llegaba a tener casi 200 funciones al año. Casi toda mi carrera fue así. No olvides que empecé a trabajar a los 14 y voy a cumplir 40. A veces salía en las tardes para el teatro, y veía a la gente en un barcito tomando algo, pero yo tenía que cuidarme, porque físicamente tienes que estar bien, y yo soy de engordar... Me tuve que ir prohibiendo un montón de cosas, claro, no me molestaba pues estaba haciendo lo que me gusta. Son esas cosas. Ahora quiero tener ese tiempo para disfrutar.

—¿Cómo fue estar en Broadway? ¿Y el cine?

—Broadway fue una experiencia mágica, me cambió mucho. Me hizo un clic en la cabeza, porque estaba en un momento en el que me estaba cansando del clásico. Broadway es otra cosa, uno va, calienta antes de la función, actúa, termina en la noche y puedes estar hasta las tres de la mañana... Cuando hice Fosse en el 2000, volví a vivir. Era una comedia musical que estaba constituida por diferentes piezas de Bob Fosse como Chicago, Cabaret, All that jazz... Estuve invitado por dos meses. Ahora me propusieron otra producción para el 2008, pero les di las gracias, aunque les insinúe que la mantuvieran ahí, porque nunca se sabe. Es un espectáculo de tango y swing.

«Y en el cine hice una sola película con Carlos Saura, Tango, que fue también una experiencia maravillosa, pero quiero disfrutar esto, terminar y dejar la cabeza sin compromisos, no quiero tener responsabilidades por un tiempo».

—¿Significaron algo en su carrera Cuba, el Ballet Nacional y Alicia Alonso?

—Muchísimo, lo que Alicia ha dado por la danza en Latinoamérica es impresionante, además de haberles ofrecido a muchos la posibilidad de formarse, de crecer. Ella ha paseado con gloria al BNC por todo el mundo. Ver a Alicia y las grandes figuras que la acompañaron nos daba aliento a los que comenzábamos, porque nos decíamos: se puede, podemos lograrlo.

«En Cuba siempre me han respetado. Esas cosas son las que uno va a extrañar, pero también las que se va a llevar. He trabajado con muchas compañías y en muchísimos lugares, pero no en todos lados se tiene una buena onda. Cuando uno trabaja con otras compañías, siempre hay una distancia, sin embargo, aquí no sucede esa cosa de tú allá, que eres la figura invitada, y nosotros acá. Al contrario, eres parte de la compañía, y eso me hace sentirme en casa».

—Después de un cuarto de siglo como bailarín, ¿qué ha sido el ballet para Julio Bocca?

—Al comienzo, mi vida; y después, pasó a ser parte de mi vida, porque uno va aprendiendo un montón de cosas, entre ellas que tienes una sola vida que hay que vivir. Y a eso me dedicaré cuando me retire: estaré viviendo.

Abrir los ojos y deslumbrarse no acaece porque sí. El circunstancial vidente que es Fausto García, ese que consigue descubrir continuamente paraísos sin moverse de su sitio, aporta una retina obstinadamente fresca, pronta siempre a impresionarse, con lo que ello supone de retención y olvido, ante la sustancia de lo ya visto y vivido. En este caso, algo que nos convoca aquí de manera sustancial: el ballet, y dentro de él, una figura emblemática que lo ha renovado en el siglo XX y XXI: Alicia Alonso.
Ella es, precisamente, protagonista máxima de sus historias sobre papel, desde hace ya algunos Festivales Internacionales de Ballet de La Habana. Por eso, el apellido se suma a estas Caricaturas poéticas, muestra que quedó inaugurada, en ocasión de la vigésima edición de la cita de la danza mundial —que comienza este sábado—, en el vestíbulo del Teatro Mella (Línea, e/ A y B, Vedado).

En estas 16 obras, realizadas en técnica mixta sobre cartulina, el artista nos regala facetas de la excepcional bailarina. Con su prisma poético capta detalles, gestos, movimientos, acciones..., que dibujan a Alicia cuando cruza las tablas vestida o ataviada de los mil y un personajes que ha encarnado a lo largo de su extensa carrera.

Un caricaturista, es, en cierto modo, un investigador de esencias, un estudioso de la personalidad, que posa su mirada ágil allí donde otros no ven, para entregarnos al final un retrato del alma, de aquel que cruzó por su campo visual. En cierta manera, ser uno mismo y ver cada vez un mundo diferente, es, a fin de cuentas, uno de los más excepcionales dones de la mirada artística, que es la primera mirada al despertar.
Alicia deja a su paso por la escena una estela de admiración. Él ha caído en la red, en el «embrujo» de la Diva y la ha perseguido con sus ojos muy atentos por los múltiples ballets, captando la esencia del decir. Por eso las caricaturas en su gran mayoría alcanzan una dimensión especial. Fausto la atrapa en su propio cuerpo o en el de algún personaje, se regodea en la personalidad, dialoga con la imagen y subraya aquello que más le interesa: una mano, una expresión, la fuerza, el lirismo..., dejándonos con la sensación de ver y descubrir más de lo interno, aquello que no logran ver los demás.

Del lado del aplauso, y en el tiempo, el creador ha observado las obras con detenimiento, función tras función, como amante fiel de la danza. Hasta que llegó el día, que ya no pasaría inadvertido entre tanta cotidianidad, porque el caricaturista lograba, en la intimidad de su estudio pinareño, el milagro de rescatar el instante y el personaje, la danza, el gesto, la silueta, las luces y las sombras que emergen detrás de los pasos guiados por la música y el ser interno.

Aquí está Alicia dibujada y desdibujada por la mano sabia y el talento de un creador que siente adentro la danza. Porque el artista transparenta en las piezas su manera de dibujar los sentimientos, de hacerlos palpables a los demás, que pueden así participar de sus instintos internos. ¡Magia del arte!, que nos deja ver —indiscreto— las oscuridades del alma.

En su silencioso bregar, Fausto busca, y encuentra algo más que un personaje. No es solo Giselle u Odette, Carmen o La Diva, es ella misma, la artista, atada por una pasión común: el ballet. Por eso aún vibran más allá de la escena, porque hay algo que está vivo: el instante íntimo de diálogo de Alicia con sus dioses internos

En un acto efectuado en el Memorial José Martí remitieron por intermedio de Esteban Lazo, miembro del Buró Político del Partido, el sello conmemorativo de la efeméride al Comandante en Jefe Fidel Castro, quien con su permanente estímulo ha inspirado la vocación participativa de las nuevas hornadas de creadores.

Ese reconocimiento fue entregado también a un grupo de destacadas personalidades y representantes de instituciones culturales, por sus contribuciones a la proyección de la AHS, en tanto 20 jóvenes del Instituto Superior de Arte recibieron el documento que los acredita como miembros de la agrupación, como símbolo de la continuidad generacional de la vanguardia intelectual y artística cubana.

Al exponer una mirada retrospectiva sobre lo que la AHS ha significado en la vida cultural de la Isla, el poeta Alpidio Alonso, su presidente nacional, destacó cómo la organización ha sido un ámbito propicio para el aprendizaje, el rigor, la experimentación y el fomento de propuestas caracterizadas por la honestidad y la autenticidad.

Omar González, presidente del ICAIC y quien fuera el primer presidente de la Asociación, resaltó cómo la vitalidad que la distingue en la promoción cultural, su razón de ser, se deriva de una trayectoria ajena a los desvaríos éticos, conducta en la que ha sido determinante su estrecha relación con la Unión de Jóvenes Comunistas, el Ministerio de Cultura, la UNEAC, la UPEC y otras instituciones.

"Una organización que lleve el nombre de Luis y Sergio Saíz —precisó— no puede conocer descanso en una sociedad como la nuestra. Cada día que pasa, sus integrantes tienen ante sí el desafío de preservar lo hecho y superarse a sí mismos."

Compartieron esta jornada jubilosa Abel Prieto, miembro del Buró Político y ministro de Cultura, y Julio Martínez, primer secretario de la UJC.

El fenómeno del pastiche y la tan llevada y traída discusión de que si las piezas reconstruidas deben ser consideradas como un original, o simplemente, son una falsificación más, es tema de debate por estos días entre especialistas y público asistentes al Museo Nacional de Bellas Artes. Allí, en una de las salas transitorias del edificio de Arte Universal, han sido puestas a la consideración del visitante cinco obras procedentes de la Colección Condes de Lagunilla. Dos de ellas, restauradas según los criterios estéticos neoclasisistas y las otras tres ensambladas con restos antiguos.

Llama la atención una cabeza helenística de hombre que conserva original su parte superior (el mentón, boca y nariz son una reposición moderna), y una estatuilla de época romana coronada por una cabeza, que bien pudo ser del siglo XIX. Los más avezados observadores notarán de inmediato las diferencias en la calidad y color del mármol. Algunos hasta cuestionarán la validez de estas piezas, sobre todo si perciben que en la primera es considerable el añadido estético y en el caso de la estatuilla (Fortuna Romana) las proporciones de la cabeza y el cuerpo son dispares.

Resulta curioso, igualmente, en Pastiches y Arqueología, título de la muestra, la composición de una deidad masculina del panteón egipcio (otro de los pastiches que se exhiben). El simulacro es demasiado evidente y debió responder, sin lugar a dudas, a intereses de mercado. Pues la parte inferior es un cuerpo femenino y la superior, hombros y cabeza, pertenece a un faraón representado como Horus. Además, las notas que acompañan a esta muestra así lo confirman.

A diferencia de las anteriores, esta pequeña estatuilla y otras dos piezas que integran también la exposición (un espejo etrusco y una lámpara, a los que se les ha añadido mango y base ajenas, respectivamente), fueron acopladas a partir de la unión de fragmentos antiguos; o sea, de restos de obras originales que han sido completadas con otros pedazos, aseguró Ana Vilma Castellanos, curadora de Pastiches y Arqueología y especialista del Museo Nacional de Bellas Artes.

Es imposible hablar del cine o la televisión cubanas de los últimos tiempos y no hacer referencia a realizadores como Orlando Cruzata, Juan Carlos Cremata, Rudy Mora, Waldo Ramírez, Pavel Giroud, Alejandro Gil, Humberto Padrón, Esteban Insausti, Rigoberto Jiménez...; jóvenes que un día, en las postrimerías del pasado siglo, se acercaron a la Asociación Hermanos Saíz con la esperanza de convertir en realidad un sueño: hacer arte atrapando la vida y la muerte en imágenes que quedaran para la eternidad.

Dos décadas después de aquel fundacional 18 de octubre de 1986, la vida les ha demostrado que aceptar el abrigo de la AHS fue lo más sensato. En su seno hicieron sus primeras obras, allí aprendieron a caminar. Pero el descubrimiento fue recíproco; y la ganancia toda, para la cultura cubana. De ello puede dar fe la Muestra Audiovisual que desde ayer se exhibe tanto en el cine 23 y 12 de la capital como en diferentes salas del país, y se extenderá hasta el próximo domingo. Se trata de 27 obras creadas no solo por los realizadores antes mencionados, sino también por artistas de generaciones posteriores; la mejor manera de celebrar los 20 años de la Asociación.

El Festival Caracol 2006 lanzó por estos días un nuevo reto al audiovisual en Cuba: mantener los peldaños ascendidos en el arraigo popular y llegar más lejos como punta de lanza de nuestra identidad en el contexto mediático nacional e internacional.

Cuestiones de primer orden alimentaron el debate en las sesiones celebradas desde el miércoles último en la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, organizadas por su Asociación de Cine Radio y Televisión que cerrará hoy otro capítulo de su historia cuando entregue los Premios Caracol del 2006.

Importantes entre estos temas, fueron la jerarquía de la enseñanza artística en su condición de creadora de futuros talentos, la necesidad de potenciar la crítica, lo urgente de concebir patrones de calidad en la promoción de la música para que no derive en deformadora del gusto popular y el enfrentamiento de nuestros medios a la desinformación que sobre la realidad cubana imponen los tanques pensantes adscritos al gobierno de Estados Unidos.

En la presente edición del festival la enseñanza artística ocupó un lugar prominente, en tanto el foro sesionó en el ámbito del aniversario XXX de la fundación del Instituto Superior de Arte (ISA) y del XX de instituida la Escuela de Cine, Radio y Televisión de San Antonio de los Baños.

La idea de crear un telecentro para apoyar el trabajo de los estudiantes de la Facultad de Comunicación Audiovisual del Instituto Superior de Arte fue una de las sugerencias aplaudidas durante las jornadas del evento teórico, como parte del espectro de reflexiones dirigidas a mejorar la enseñanza del audiovisual en nuestro país.

El panel, encabezado por José Ramón Artigas, presidente de la asociación, destacó la necesidad de elevar la preparación cultural de los estudiantes universitarios a propósito de lo cual Daimé Bosch decana de la Facultad de Comunicación Audiovisual del ISA ilustró la importancia de garantizar la infraestructura indispensable para graduar un profesional certero.

Instó igualmente, al Instituto Cubano de Radio y Televisión (ICRT) a prestar mayor atención a la carrera en tanto sus egresados serán parte significativa en las construcciones ideológicas del sistema mediático nacional.

La crítica en la crítica, por otra parte, sirvió de columna a un panel moderado por Rufo Caballero, doctor en Ciencias sobre el Arte, que movió el debate para ampliar la mirada referente al papel de esa manifestación en Cuba: ©Estamos perdiendo la oportunidad de influir en el otro. A veces tenemos una forma de entender el audiovisual bastante estrechaª dijo la investigadora Maylin Machado ante una sala abarrotada de teóricos, estudiantes y otros invitados.

También alzó la voz en nombre de los críticos jóvenes que encuentran pocos espacios de expresión en los medios.

Esta mesa redondeó el concepto con el llamado hecho por la periodista Sahily Tabares, presidenta del Círculo de Periodistas Culturales de la UPEC: fortificar la preparación de los reporteros culturales en aras de enriquecer el universo intelectual de los cubanos y cubanas.

Como parte de la Semana de Teatro Alemán que ha enriquecido la vida escénica de nuestra capital, el grupo Teatro D'Dos acaba de estrenar La noche árabe, de Roland Schimmelpfennig. El espectáculo —que puede verse todo este octubre en la sala Llauradó— tiene que ver con la estética del grupo que dirige Julio César Ramírez en cuanto a lo escueto del elenco, la sobriedad en los elementos escenográficos y la indagación en la relatividad y complejidad de las relaciones humanas.

Sobre el argumento ha precisado el teatrólogo Omar Valiño en las notas al programa: "Un edificio y sus correspondientes vericuetos, anclado en cualquier lugar del mundo, es el territorio físico de un espacio escénico que tomará total autonomía en un extraño juego espectacular. Tres personajes que suman características, relaciones y acontecimientos de los cinco del original de Roland Schimmelpfennig. Tres individuos que se adentran en un viaje de sensaciones, de revisión de la memoria como refugio ante el hastío de la cotidianidad, persiguiéndose sin encontrarse, varados en sus respectivas soledades. Como en una casa de espejos, se pierden entre los distintos rostros que el azogue les devuelve; buscándose a sí mismos surgen los reflejos del pasado y las proyecciones del futuro como coartadas ante la incomunicación".

Ramírez apela a un diseño de escenografía y de luces que reafirma lo que de abstracto, cerebral e imaginativo sugiere el original. Los espacios comienzan a corporizarse cuando los personajes los habitan a través de un juego pulcro y eficaz. La sobriedad en el ámbito sonoro y la precisión en el movimiento de los actores son otros puntos a favor de una puesta en escena que se propuso un diálogo maduro con una obra que se mueve entre el desgarramiento y la contención.

Difícil resulta la labor de los tres intérpretes, tratándose de una relación casi todo el tiempo oblicua donde apenas existe la esgrima de la réplica y la contrarréplica. El consagrado Raúl Pomares regresa a la escena después de varios lustros en que ha sido conocido, sobre todo, por sus formidables desempeños en la televisión y el cine. Pomares nos recuerda que es un teatrista de larga trayectoria y le imprime a su personaje el carisma que le caracteriza. Lástima que en la función a la que asistí se apreciaran algunos titubeos que —aunque los suple con organicidad y encanto— pueden restar algo a la atmósfera de precisión que la puesta requiere. Mientras tanto, el joven Miguel G. Ortiz —quien firma además la versión dramatúrgica— derrocha energía y ligereza, pero no diferencia suficientemente los similares pero específicos estadios de su atormentado rol.

Párrafo aparte merece el desempeño de Beatriz Viña. Esta actriz, de poderosos y variados recursos físicos y vocales, logra convertir en metáfora concreta el precario equilibrio entre cierta alucinada dosis de sensualidad y la árida angustia, la perenne incomunicación que el dramaturgo plantea.